Art dramatique 602

Objectifs généraux :

Seconde année du socle de formation de base du cours d’art dramatique, la 602 s’attache principalement à développer et renforcer de façon pratique chez l’étudiant·e deux notions fondamentales : la structuration et l’amplification.

• La structuration réclame de l’étudiant·e la mise en œuvre d’outils concrets lui permettant de mettre son intuition au service d’une partition textuelle, physique et/ou vocale exigeante et rigoureusement reproductible. Il ne s’agit pas encore de se mesurer à une mise en scène ou à une chorégraphie proprement dite, mais bien d’éprouver des partitions de longueurs et de complexités variables établies en lien avec les pédagogues.

• L’amplification invite l’étudiant·e à se frotter à des registres d’interprétation extrêmes (tragédie, grotesque, danse-théâtre) caractérisés par des contrastes fortement accentués, des ruptures brusques, voire brutales. L’étudiant·e, guidé·e par des pédagogues d’interprétation, de corps et de voix, devra faire appel à un engagement physique intense (étreintes, combats,...), à un large déploiement de sa palette vocale (du murmure au cri), sans renoncer aux qualités de justesse, de souplesse, de sensibilité et de relation aux partenaires recherchées au cours de la première année du socle de formation de base.

  La 602 prolonge en outre le dispositif des formes libres, permettant aux étudiant·e·s de développer des projets personnels.

  Contenus et méthodes :

  L’année est globalement structurée en deux grands ateliers dirigés et un dispositif de formes libres encadré et accompagné par l’équipe pédagogique. Des workshops pris en charge par des intervenant·e·s extérieur·e·s peuvent venir ponctuellement compléter ce programme pédagogique.

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Atelier dirigé 1 : Tragédie classique du XVIIème siècle français

Objectifs :

• Explorer les multiples potentialités expressives et rythmiques de la langue. Apprendre comment s’en servir pour transmettre une émotion.

• Découvrir comment la parole peut s’ancrer dans le corps, comment elle se fait chair.

• Atteindre des sentiments extrêmes en gardant une vérité. Donner corps à la démesure sans céder à l’hystérie.

  Méthode :

• Approche de l’alexandrin tragique, de manière pratique et ludique, sous forme d’exercices collectifs. A partir de fragments représentatifs (empruntés aux tragédies de Corneille et Racine, mais également à leurs prédécesseurs et héritiers et héritières : Robert Garnier, Alexandre Hardy, Théophile de Viau, Tristan Lhermitte, Catherine Bernard,...) travail sur les allitérations, les diérèses, les rimes féminines et masculines, le phrasé, le développement de la pensée, la respiration de l’alexandrin,...

• Mise en application des outils acquis durant la première phase de travail dans des grandes scènes emblématiques du répertoire tragique aux enjeux particulièrement forts. Mise en corps et en espace dans un dispositif scénique simple.

  Atelier dirigé 2 : Pulsion/Pulsation

  Objectifs :

• Se mobiliser dans la réalisation d’une proposition collective hybride (théâtre et danse) reproductible.

• Apprendre à concilier un engagement corporel total et une grande rigueur, notamment sur un plan rythmique.

• Approcher, sans renoncer à la sincérité, des registres de jeu mettant à mal les principes de vraisemblance et de réalisme (grotesque, burlesque, farce, danse-théâtre).

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Méthode :

A partir de différents matériaux, dont des matières textuelles modernes ou contemporaines caractérisées par une forme d’excès, de paroxysme (Hanokh Levin, Werner Schwab, Lars Norén, Hugo Claus, Elfriede Jelinek, Copi, Howard Barker, Caryl Churchill, Sarah Kane, Dennis Kelly, Koffi Kwahulé,...), les étudiant.e.s sont guidé·e·s dans la production d’un registre de jeu organique et pulsionnel, débouchant, à côté du travail de scènes, sur plusieurs séquences non-verbales chorégraphiées.

Formes libres

Objectifs :

• Aboutir par duos ou trios à de courtes propositions scéniques, chaque partenaire de travail étant invité à laisser son propre imaginaire rencontrer celui de son/ses partenaires.

• Permettre aux étudiant·e·s de développer leur propre langage à partir de préoccupations de leur choix liées à la thématique proposée.

  Méthode :

  Processus de recherche sur base des propositions des étudiant·e·s, articulé en 3 modules. Une thématique commune réunit et structure l’ensemble des propositions : Identité/Altérité.

  Module 1 : présentation globale de l’atelier, mise en place des duos et trios, rencontre des pédagogues avec chacun d’eux, lancement du projet.

  Module 2 : rencontre de chaque duo ou trio avec les pédagogues, découverte des matières et propositions, exercices et workshops « personnalisés » en fonction de chaque projet, présentation à la classe des différentes étapes de travail, retour.

  Module 3 : présentation des propositions de chaque duo ou trio, répartition des propositions dans les différents locaux, passages des pédagogues dans chaque local pour accompagner le travail, premier filage des différentes propositions + retour, présentation finale, retour global.

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Modes d’évaluation

Critères d’évaluations :

Présence, ponctualité.
Attitude dans le groupe et avec l’enseignant·e.
Attention au travail des autres.
Respect de l’outil de travail.
Esprit d’initiative, prise en charge de l’organisation du travail personnel et collectif. Travail personnel fourni entre les séances.

Engagement physique, mental, émotionnel.
Gestion de l’énergie.
Capacité à proposer, à concrétiser un point de vue personnel, à développer un imaginaire singulier.

Appropriation des consignes, structuration rigoureuse d’une partition jouée ou dansée et capacité à la reproduire sans l’assécher.
Développement et maîtrise des différents acquis techniques.

Qualité du rapport au partenaire.
Écoute active.
Capacité à se laisser transformer, à apprivoiser le « laisser faire ».

Système de cotation et pondérations :

Quadrimestre 1:
Évaluation continue – Coefficient 2 – 25% de la note finale

Quadrimestre 2:
Évaluation continue – Coefficient 2 – 25% de la note finale
Prestation artistique certificative – Coefficient 4 – 50% de la note finale

Version du 13/09/2023